Милостыня за любовь Божью. «Хромоножка» Хосе де Риберы.

Хосе де Рибера  хотел создать достоверный портрет нищего, полный величия. Даже моделей для святых и древнегреческих философов он подыскивал из самых низов, а тягой и интересом к карликам и калекам Рибера заразил своего земляка Диего Веласкеса.

«Золотой век» Испании совпал с периодом Контрреформации – временем, когда Римско-католическая церковь восстанавливала свой пошатнувшийся престиж, и художники действительно охотно брались за религиозные сюжеты. Среди лучших работ Хосе де Риберы много произведений, посвященных святым, - это драматические сцены мученичества, где плоть слаба, стара и немощна, а дух побеждает. Удивительно, но свое желание донести до зрителя, что дух велик, он перенес и на картины совсем другого жанра, бытового. В этом жанре он раскрывается как художник, старающийся зафиксировать национальный колорит, своеобразие страны с ее «великими чудесами природы» (например, Рибера создал портрет бородатой женщины) и простыми людьми, которых он писал, как обычно писали кардиналов и герцогов. Это отчетливо видно в его картине «Хромоножка» (или «Хромой нищий»), которая сейчас хранится в Лувре. Интересно, что в собрание работа попала под совершенно другим названием, «Карлик», поскольку главный герой действительно сложен непропорционально.

В Испании популярен плутовский роман, и в хромом мальчугане с его слегка оттопыренными ушами, веселой заразительной улыбкой (хотя она и обнажает кривые зубы) легко угадывается маленький пикаро (плут, ловкач). Несмотря на свое физическое несовершенство (у мальчика, скорее всего, амиоплазия: он не может полностью встать на изуродованную стопу, поэтому основная нагрузка идет не на пяточную часть, а на плюсну и пальцы), калека полон внутреннего благородства и достоинства, образ целостен и монументален. Это ощущение не в последнюю очередь создается за счет заниженной линии горизонта, изображения фигуры в полный рост на вертикальном полотне и низкого угла зрения.

Нищий держит палку-трость: на нее он опирается во время ходьбы, но сейчас закинул ее на плечо, словно копье или древко штандарта, наслаждаясь вниманием зрителя. Это своего рода актерство, раз! и перед вами не нищий, а солдатик. Но это и сильный художественный прием: костыль проходит по диагонали от одного края полотна до другого, как бы фиксируя границы и придавая значительность фигуре. Помимо палки, в руках у хромого зажата бумажка, на которой легко читается латинский текст: «Da mihi elimosinam propter amorem dei» (дословно – «Дай мне милостыню за любовь Божью», что не может не напомнить «Подайте ради Христа», которое и сейчас слышишь в поездах метро и пригородных электричках). Просьба, написанная на бумаге, не означает, что мальчик нем, - неаполитанские нищие должны были иметь специальное разрешение, чтобы просить милостыню, и хромоножка с гордостью показывает его. Некоторые исследователи интерпретируют эти строки как призыв к благотворительности, что было довольно распространено в эпоху Контрреформации, - в это время церковь любила напоминать христианам о необходимости творить добро. Но большинство искусствоведов все же считают, что Рибера просто хотел создать достоверный портрет нищего, полный величия. В пользу этого мнения говорит и то, что даже моделей для святых и древнегреческих философов Рибера подыскивал из самых низов, а тягой и интересом к карликам и калекам заразил своего земляка Диего Веласкеса.

Хосе де Рибера. Хромоножка

Рибера написал картину в 1642 году в Неаполе, и долгое время считалось, что заказчиком этой работы был вице-король Неаполя, Рамиро Нуньес де Гусман, являвшийся покровителем художника. Тем не менее, в данный момент установлено, что эту картину приобрел фламандский торговец. Фландрия на тот момент оставалась под протекторатом Испании, развитие искусства замерло в ней, как муха в янтаре, а сюжет с нищими был привычен. Калеки просили милостыню еще на полотнах Брейгеля-старшего, поэтому картины испанских мастеров на тот же сюжет охотно приобретались.

«Хромоножка» написан уже состоявшимся художником, чья творческая манера претерпела ряд изменений: под влиянием мастеров Болоньи от тенебризма Караваджо (работа с контрастной светотенью) он приходит к более спокойной цветовой гамме, янтарно-золотистым оттенкам, умеренным световым эффектам. Например, лицо мальчика или его руки частично затемнены, но это только выявляет пластичность формы, а вот контрастность достигается иным художественным способом. Вместо темного задника, который так свойственен караваджизму, зритель видит яркое, светящееся небо, на фоне которого фигура нищего, выполненная в приглушенных тонах, отчетливо видна. Ритм белого и голубого усиливает эффект монументальности, устремленности вверх.

Английский искусствовед Эллис Уотерхаус, специалист по искусству эпохи барокко, писал о картине, что она дает ключ к пониманию всего творчества Риберы. Тем не менее, в адрес этого реалистичного и жизнеутверждающего полотна звучала и ожесточенная критика. В середине XVII века неаполитанский художник Сальватор Роза, к слову, ученик Риберы, создал едкую сатиру на тему живописи. В своем стихотворении он резко осудил и тех, кто пишет нищих, и тех, кто эти картины покупает, говоря о дегуманизации: «Эти картины так ценятся, что вы видите их в домах власть предержащих в великолепно украшенных рамах, и те, кто платят тысячи за эти работы, не дадут и копейки настоящим нищим, несчастным и голым», «То, что ненавистно им в жизни, нравится им в живописи». Эта точка зрения вполне понятна, но работа Риберы, конечно, выше критики: эта история не о социальном неравенстве – это блестящий портрет современника художника, простого величественного человека.